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DECALOGUE: Orson Welles, 10 Vermächtnisse auf der anderen Seite des Windes

DECÁLOGO widmet diese Lieferung als Hommage an 10 Bänder des Meisters anlässlich der Premiere von "Auf der anderen Seite des Windes"

Citizen Kane wurde von Kritikern, Kinogängern, Forschern und Filmwissenschaftlern als einer der größten Filme angesehen. Sogar von 1952 bis 2012, als Vertigo von Alfred Hitchcock den Posten übernahm, galt Orson Welles 'Meisterwerk bei Sight & Sound als der wichtigste Film in der Geschichte. Das 1941 erschienene Meisterstück des damals jungen amerikanischen Regisseurs, das für Aufsehen, Debatten und Kontroversen sorgte, explodierte mit den gleichen Erstaunen, die in verschiedenen Bereichen der Werbekraft, der Presse und der Medien im Allgemeinen herrschten. Aber Erstaunen wäre keine Konsequenz für sich, sondern das getreue Spiegelbild der Kunst des im Frühjahr 1915 in Kenosha, Wisconsin, geborenen Lehrers.

Welles erlangte zu Beginn seiner Karriere Berühmtheit, im Theater wurde er anerkannt und im Radio revolutionierte er die virtuellen Inhalte, die als real angesehen werden konnten, aus dem Talent derer, die das Mikrofon zum Leben erweckten. Mit einer lauten Stimme und der beredten Beschreibung des Krieges der Welten im Jahr 1937 gelang es Welles, HG Wells 'Roman auf die Bevölkerung zu übertragen, die, nachdem sie ihre Radiosendung gehört hatten, ihre Häuser in Angst und Schrecken verlassen hatte Ereignisse, die von einer Invasion herrührten, die nur in der Vorstellung des Genies geschah.

Das Talent und die Verschwendung der Histrionik von Orson Welles erlangten sofort Bewunderung und Anerkennung, was den Regisseur auch dazu veranlasste, Regie zu führen und in dem epischen Film mitzuwirken, der von Charles Foster Kanes Streiten erzählt. Von diesem Moment an und mit nur 25 Jahren ging Orson Welles von Bewunderung zu Ablehnung über, von der Unterstützung der Industrie, um sein eigenes unabhängiges Kino aufzubauen, und von der Überlegung, einen amerikanischen Meilenstein ins Exil zu setzen. Dutzende von unvollendeten Filmen, Hunderte von unvollständigen Sequenzen und Szenen, diffuse Projekte unter ihren eigenen Gedanken des Perfektionismus, führten Welles auf den Weg des Mythos.

Seine fast obsessive Hingabe an jedes Projekt ist ebenso berühmt wie seine außergewöhnliche Innovation und der Charakter seiner Figuren, die Grenzsituationen durchdringen, charakterisierten die eindrucksvolle Arbeit eines Filmemachers, der in der Lage war, einen einzigartigen Blick auf die Fotografie aus jedem Blickwinkel zu gewähren. sowie aus seiner eigenen Erfindung eine neue Filmsprache zu bauen.

Eine nüchterne Persönlichkeit, von Trenchcoats und Hüten umrissene Outfits, die reine Locke der Angst und die gegensätzliche Stille seiner Schritte sind einige der Kennzeichen des Charakters, der Orson Welles selbst war. Es war 1985, als der Lehrer in Los Angeles, Kalifornien, starb und mit ihm verschiedene Produktionen, die auf einen unbestimmten Abschluss warteten, im Mysterium verschachtelt waren. Dann wurde die Realisierung von Auf der anderen Seite des Windes zu einem Ereignis, von Anfang der 70er Jahre bis zu seinem endgültigen Abschluss, oder zumindest von jenen, die dem Projekt nahe stehen, 4 Jahrzehnte später. Auf der anderen Seite des Windes erschien es im vergangenen Herbst mit überwiegend positiven Reaktionen, einem visuellen Fest, das das Erstaunen, die Nostalgie, die Sinnlichkeit und den Wagemut eines Regisseurs in sein Filmtestament einmischte.

Einer der besten Regisseure der Geschichte, für viele der besten, veröffentlichte mehr als 30 Jahre nach seinem Tod seine posthume Arbeit, zumindest den letzten von ihm gedrehten Film und den neuesten, der fertiggestellt und von seinen Negativen befreit wurde. Die Premiere hat in der Vergangenheit große Erwartungen geweckt, und Filmschulen auf der ganzen Welt wollten Zeuge des authentischen Ereignisses werden, bei dem über einen Film nachgedacht wird, der nach Sehnsucht, Illusion und Magie des Kinos gekleidet ist und die alternativen Realitäten präsentiert, die wir nicht kennen Realität oder Fantasie

DECÁLOGO widmet diese Lieferung als Hommage an 10 Kassetten des Lehrers anlässlich der Premiere von Auf der anderen Seite des Windes und wir machen einen Rundgang durch die bewunderte Faszination, die apotheosische Aufnahmen, dynamische Sequenzen und brillante Performances, die den Stil definiert haben, entdeckt und wiederholt nüchtern, visionär und operativ des imposanten Orson Welles Auf der anderen Seite des Windes wurde es in ausgewählten Kinos und ebenso im Streaming- Tuning uraufgeführt, was es uns ermöglicht hat, die visuelle, narrative und emotionale Komplexität einzufangen, die der Regisseur als ererbt hat Höhepunkt des Filmkanons eines der größten Genies der universellen Kinematographie.

10. Die andere Seite des Windes 2018

Zwei Geschichten, zwei Erzählebenen, zwei Absichten, zwei parallele Sequenzen, zwei Ziele, zwei Vorsätze ergossen sich in die Dualität der anderen Seite des Windes. Ist es möglich, dass der Wind zwei Seiten hat? Oder trennt der Wind den Raum in zwei verschiedene Dimensionen? Orson Welles fädelt seinen letzten Film mit einer außergewöhnlichen Gegenüberstellung von Bildern, die den letzten Tag im Leben eines Filmregisseurs erzählen, der vor dem Tod die bevorstehende Beziehung seiner Arbeit und Charaktere darstellt. Einerseits beobachten wir den Tag des Regisseurs, der die Premiere seines Films quält, einen aufstrebenden Regisseur, der Bewunderung und den Spiegel seiner Kunst widerspiegelt, und eine Handlung, die auf dem Bildschirm die Verführung eines strömenden Paares zeigt mit der Sinnlichkeit, dem Verlangen und der Feuchtigkeit suggestiver Körper und Szenen voller Erotik und Leere.

In der Hauptrolle des legendären John Huston und der damals filmischen Sensation Peter Bogdanovich zeigt die andere Seite des Windes in seiner zentralen weiblichen Figur die skulpturale Oja Kodar, die nicht nur Model und Schauspielerin ist, sondern auch eine enge Beziehung zur Regisseurin unterhält. Huston, geweihter Regisseur, nimmt seine Rolle mit völliger Nüchternheit an, lebt sie, ist Teil seiner Geschichte; Bogdanovich verkörpert auf ähnliche Weise perfekt den kritischen Essayisten, der es schafft, sich als Regisseur nach der Linse zu konsolidieren, während Kodar eine Kraft beeindruckender sexueller Energie bietet, die über den traditionellen Tenor von Welles-Bändern hinausgeht.

Eine Art filmische Erlösung setzt sich fort mit visuellen Wendungen und ästhetischen Schwüngen, die dem Betrachter keine Ruhe geben und die es ihm ermöglichen, Kontemplation als künstlerische Anerkennung des Regisseurs zu erleben, ohne sie zu erschöpfen. Das Ergebnis ist ein interessanter kinematografischer Vorschlag, der erfasste Szenen, Ideen und Projektionen des Autors während 5 Jahren Dreharbeiten und anderer im Schnitt- und Neuauflageprozess kombiniert, der nicht mit seinem Tod endete, sondern die Arbeit der Beteiligten vertiefte, wie z Bogdanovich oder Kodar selbst sowie Beatrice Welles, Tochter des Regisseurs, die selbst zwischen dem Nebel des Konflikts und dem familiären und beruflichen Verdacht den Abschluss dieses eigentümlichen Bandes lieferte.

Der Wind als Sinn, die Dualität als Integrator seiner Vergänglichkeit und das Erbe als Bindeglied zwischen Künstler und Werk scheinen ein filmisches Testament der Selbstreferenz oder Identifikation zu sein, das eine mögliche Selbstbestätigung des Regisseurs über seine eigene umgänglich gelebte Persönlichkeit im sozialen und zurückhaltenden Bereich liefert, obsessiv und perfektionistisch hinter der Linse und vor den Kameras, die seine Kunst und sein Erbe festigten. Auf der anderen Seite wird der Wind als ein Versprechen präsentiert, das darin besteht, zwei Absichten, zwei Realitäten und zwei Treffen miteinander zu verbinden.

9. F von Fälschung (F für Fälschung) 1974

Mit F von false Orson Welles wandte er sich überraschenderweise der Dokumentation als Quelle dynamischer, suggestiver und lebendiger Innovation zu, und zwar durch eine kühne Ausgabe, die sehr nah an der anderen Seite des Windes ist und Sequenzen aus der ersten Person hervorbringt, die schnell und plötzlich zustande kommen Dialog zwischen Erzähler und Betrachter auf didaktische Weise. Die Authentizität als Muster des Zweifels, der Wert der Kunst als Informationsquelle und die unlösbare Definition von Filmgenres begleiten Welles 'Beschreibung der aufeinanderfolgenden Täuschungen, die im Kopf des Künstlers und des Betrachters auftreten.

Die Suche und die Begegnung, die eine Konstante von Welles bilden, gewinnen in F von false Sinn aus der Wahrnehmung; Der Regisseur lädt uns ein, die Wahrheit aus den Tatsachen, der Geschichte, die von der Kunst und ihren Schöpfern geschaffen und nachgebildet wurde, aus dem Eskapisten und seiner Illusion, der Kunst, die wir als Lüge oder Wahrheit betrachten, der Fälschung von Betrug oder der Realität selbst, zu entdecken. Die Aussage des Regisseurs bezichtigt die Magie, die Illusion und die Herstellung der Wahrheit direkt und eloquent aus der Realität, die die Verpflichtung verleiht, dem Falschen zu vertrauen, dass das Kino selbst dem Publikum vorausgeht.

Es ist merkwürdig, dass ab dem Jahr nach seiner Premiere eine endlose Reihe von Bändern mit dem Namen Blockbuster, die wir bereits in dieser Kolumne beschrieben haben, bis heute beginnen wird, und dass sie sich durch die verstärkte Verwendung von visuellen Effekten auszeichnen, die eher für die Unterhaltung als für die Unterhaltung bestimmt sind zum Grundstück selbst. In diesem Dokumentar-, Film- oder Visionärmanifest wird die Arbeit von De Hory unter Beteiligung von Oja Kodar, Gary Graver und Francois Reichenbach besprochen.

8. Othello (Othello) 1952

Mit Othello setzte Orson Welles seine Filmerkundung durch die Arbeit von William Shakespeare fort, die er vor einigen Jahren mit der Realisierung des spektakulären Macbeth- Films begonnen hatte. Welles entschied sich dafür, in dem Film selbst mitzuspielen und sich selbst zu schminken und zu charakterisieren, um seinen Charakter zu formen, auch in Ermangelung von Mitteln, die einige Utensilien und Geräte wie Macbeths Krone definiert hatten, was sich in Anekdoten und Wechselfällen bei den Dreharbeiten von wiederholte Othello

Welles könnte zu diesem Zeitpunkt für eine solche Entscheidung kritisiert werden; In der Mitte des Jahrhunderts wurde jedoch der Sinn für Farbe oder die absichtliche Anpassung des Protagonisten als natürliche Ressource angesehen. Welles hätte jedoch niemanden seine eigene Vision des Klassikers interpretieren lassen. Eifersucht, leidenschaftliche Liebe, die sich in Tragödie, Anklage, Unkraut und Misstrauen verwandelt, die durch Besitz entstehen, vereinen eine Dualität, die zwischen Macht und Begehren, zwischen Aneignung und Besitz, zwischen freiem Willen und Schicksal besteht Sie sind untrennbar mit der Tragödie und ihrer Lösung verbunden.

Venedig als Schauplatz menschlicher Gefühle und der Störungen, die zwischen Othello, Desdemona und Casio unvermeidlich sind; Familienkampf, Rassismus, Selbstbehauptung, Misstrauen und Loyalität verleihen dem Regisseur und seiner Arbeit eine narrative Linie, die die Optik der Untreue als Annahme und des Verrats als Motiv des Unglücks darstellt. Othello, Gewinner der Filmfestspiele von Cannes, bietet außergewöhnliche Sequenzen, deren unterstellte und revolutionäre Kamerabewegungen an die kriegerischen Filme der 1930er Jahre erinnern, mit der echten Versammlung des Meisters. Othellos Ouvertüre ist eine filmische Leistung von epischen Dimensionen, ein visuelles Gedicht des amerikanischen Meisters.

7. Macbeth (Macbeth) 1948

Die erste Annäherung des Regisseurs an die Arbeit von Orson Welles, Macbeth, markierte einen Meilenstein in der Produktion von Filmen, die auf dem berühmten literarischen Erbe von William Shakespeare basieren, gerade in dem Jahr, in dem Laurence Olivier den Oscar-ausgezeichneten Film Hamlet erfolgreich uraufgeführt hatte .

Welles, ein Freund von Olivier, der Shakespeare gleichermaßen bewundert, filmte seine besondere Vision des Klassikers. Während Olivier an seiner Theaterinszenierung festhielt und das Stück mit der Strenge der Dramaturgie ins Kino brachte, druckte Welles ein Siegel, sein Siegel, das Kino. Im Theater versuchte Welles immer, jedes Shakespeare-Stück mit Präzision und Pracht zu untermauern, doch als er einmal hinter den Kameras saß, bot er den einzigartigen Beitrag, den das Theater nicht bieten konnte, die Tiefe der Landschaften, das Spiel von Emotionslichter, das Grab in Schwarz und Weiß, aber elegant, und die visuellen und akustischen Effekte, die die Bewegung des Bildes für den Klassiker erzeugen würde.

Die Prophezeiung der Macht, die vom Schicksal delegiert wird, die Bedeutungen und lyrischen Konzepte, das übernatürliche Eingreifen des Schicksals als Slogan, das in Shakespeares Werk allgegenwärtig ist, die menschliche und göttliche Dualität und in der Göttlichkeit selbst das Böse und Gute, das sich ergibt Prädestination, konvergieren auf Selbstmord, Verrat und Tragödie. Als griechischer Klassiker der Shakespeare-Manufaktur bietet Macbeth eine der besten Verfilmungen von Shakespeare an. Lady Macbeth, gespielt von Jeanette Nolan und Macduff von Dan O'Herlihy, vervollständigen die Besetzung des vielleicht besten Films in der Filmographie des Meisters.

6. Der Fremde 1946

The Foreigner, ein Meisterwerk der Kinematographie der Jahrhundertmitte und eine grundlegende Referenz des Nachkriegskinos, ist einer der ersten, wenn nicht der erste Film, der dem Publikum im Allgemeinen reale Szenen als Holocaust-Überbleibsel und -Suche bot in einem gewissen Strom der Verfolgung jener Kriegsverbrecher, die in verschiedene Länder, insbesondere den amerikanischen Kontinent, geflohen waren. Mit dieser Prämisse der Schuld und Bestrafung, der Flucht und der Suche bietet Welles eine Fülle von Details und Symbolen der Zeit, die es zu einer Quelle kontextbezogener Informationen für diejenigen macht, die die Herangehensweise des Kinos an die Folgen des Krieges untersuchen, der Motive und Handlungen, die eines der schmerzhaftesten Themen des Konflikts auslösten.

Franz Kindler ist in eine kleine Stadt in Connecticut gekommen, um dem pathibularen Prozess zu entkommen, ohne politische Diskretion zu widersprechen, aber die Jagd des Verbrechers seit dem Verbrechen zu rechtfertigen. erwirbt eine andere Identität, die eines Lehrers namens Charles Rankin, und versucht, Mary zu heiraten, die den wahren Ursprung ihres Verlobten nicht kennt. Während er sich als Ausländer in die Gemeinde einbettet, der es nicht zu sein scheint, sucht er nach der Uhr der alten Leute, und erst wenn ein Konvertit ihn findet, um seine Vergangenheit zurückzuerlösen, kann er seinen Aufenthaltsort nachvollziehen Es ist für den Agenten Mr. Wilson bestätigt, der als Detektiv dient, der die Teile der Ausrüstung zusammenfügt, die den Händen der Zeit Bewegung als eine Art Satz gibt. Der Krieg, die ideologischen Positionen, die Suche, die Begegnung, das Verbrechen und die Bestrafung in der Folge werden die Ableitung dieser Komponenten einer gefälschten, vermuteten und verborgenen Identität bekämpfen.

Die Ausländerin bezieht sich auf einen historischen Moment und macht subtil eine Geste des Verlustes der politischen Unschuld des Einzelnen, wobei der Verlobte, von dem ihr zukünftiger Ehemann ausgehen muss, ein Kriegsverbrecher ist, und der des Volkes, das das Vertrauen gesetzt hat In beiden Fällen taucht in der Lehrerin der Hinweis auf die Geopolitik mit Erstaunen auf, und für diese Aktion die gleiche sequentielle Ebene, die grafische Darstellung von Holocaust-Folios, die aus der Sicht von Edward G. Robinson dasselbe illustriert, was erschreckt Ohne Zweifel ein Grundlagenfilm.

5. Die Dame von Shanghai (Die Dame aus Shanghai) 1947

Die mehrdimensionale Reflexion eines Spiegels, die unendliche Wahrscheinlichkeit des Bildes, die imposante Anwesenheit von Rita Hayworth, die Intrige, das Verbrechen, die Vorteile zum Nutzen und die Verführung, integrieren den fiktiven Input dieses außergewöhnlichen Polizeifilmbandes, das geworden ist in einem Meilenstein der universellen Kinematographie. Der Einfluss von The Lady of Shanghai ist unbestreitbar, Regisseure und Regisseure verschiedener Genres haben versucht, die filmische Leistung des in Wisconsin geborenen Regisseurs nachzuahmen. Die gekonnte, entschlossene und sogar tödliche weibliche Figur, die Hayworth darstellt, hat in ihrer Zeit viele Pläne gebrochen und der Schauspielerin ermöglicht, ihre histrionische Fähigkeit unter Beweis zu stellen, die verschiedene Debatten und sogar die Ablehnung einiger Kinephile-Kreise hervorruft.

Der Film wurde in gewisser Weise von seinem Wagemut abgelehnt, denn später, wie es bei mehreren Filmen von Welles der Fall war, galt er als Meisterstück. Direkt am Höhepunkt des so genannten Cinema Noir veröffentlicht, setzt sich The Lady of Shanghai mit Leichtgläubigkeit, Verführung als Waffe und Verliebtheit als Rechtfertigung für die angedeutete Entschuldigung auseinander. Die Handlung, die sich im Abgrund des Ozeans als Kulisse und auf einer Yacht als Bühne entwickelte, erweitert die Kollusion der Charaktere und die Unterdrückung von Absichten, die zwischen Verrat und Leidenschaften schwanken.

Aber es ist zweifellos die Kombination der starken weiblichen Figur mit der innovativen Fotografie, die die ursprüngliche Geschichte von Sherwood King auf ein Superlativniveau hebt, bei dem die Sammlung von Versicherungen für den absichtlichen Tod die Ironie eines Ankunftspunkts bewahrt, der nicht zu sein scheint . Und diese doppelte Leistung des Films hat Dutzende von Filmen beeinflusst, deren Protagonistin einerseits die vielfältigen Bedeutungen, Fähigkeiten und Ziele entwickelt und andererseits die unzähligen Synergien, um die kaleidoskopische Ebene als Inspirationsquelle zu ehren und zu referenzieren Sequenziell, das die visuellen Möglichkeiten des Betrachters erweitert.

4. Superb (Die prächtigen Ambersons) 1942

Die Adaption des mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Romans von Booth Tarkington aus dem frühen zwanzigsten Jahrhundert war der zweite von Orson Welles inszenierte Film, der die direkte Herausforderung darstellte, die filmische Leistung seines ersten Films nachzuahmen . In ähnlicher Weise wurde der Film zur ersten literarischen Adaption des Regisseurs, die in den meisten seiner Werke wiederkehrte und seine visuelle Optik als imaginäre Intervention auf einen primitiven Text stützte. Um die Reihe der ersten Ereignisse in der Regiekarriere bei den Dreharbeiten zu beenden, bedeutete dies schließlich seine erste Erfahrung als Regisseur, ohne die Hauptrolle in dem Film zu spielen, und er bezog sich ausschließlich auf seine Arbeit als Regisseur. Andererseits warf er sich vor, der erste Film in der Serie zu sein Wessen größter Teil der Endmontage die Intervention auf Kosten der Produzenten ging, hinterließ die sensible Geste der Unzufriedenheit, die später ein Qualifikator für den emotionalen Zustand des Regisseurs sein würde.

Das zweideutige Ergebnis des Films gab Orson die Möglichkeit, sich für ein unabhängiges Kino zu entscheiden und damit die Verbreitung seiner kommenden Filme einzuschränken, die, wie wir gesehen haben, an anderer Stelle begrüßt wurden. In der Hauptrolle von Joseph Cotten erzählt Soberbia die Geschichte einer Familie und ihrer Verwandten, in der Gier, Ehrgeiz, Verliebtheit in Enttäuschung über Korrespondenz, Leidenschaften, Interessen und Doppelmoral bei der Beurteilung von Klasse, Kapital und soziale Position, definieren Sie die Gegenwart und die Zukunft der gefährlichen Beziehungen, die die Zukunft der Charaktere passieren. Für Welles wäre die Möglichkeit, aus dem Familienporträt eine Gesellschaftskritik zu machen, ein tieferer Anreiz als eine rein figurative, aber es tut ihm leid, dass das Ergebnis nach dem Ermessen der Studie bearbeitet wurde.

Trotz der Nöte des jungen Regisseurs, der noch keine 30 Jahre alt war und bereits zwei Meisterwerke uraufgeführt hatte, wurde Soberbia zu der Zeit mit Nominierungen für verschiedene Preise ausgezeichnet und bietet nun für seine Erzählungen und Interpretationen auch die Möglichkeit, das zu bewundern Welles 'Arbeit hinter der Linse, die ansonsten attraktiv ist, wenn man bedenkt, dass der Rest seiner Filmografie durch die Schauspieler-Regisseur-Variable begrenzt wird.

3. Mitternachtsglockenspiel (Chimes at midnight) 1965

Das Mitternachtsspiel wurde von Kritikern als eine der besten Verfilmungen von William Shakespeares Werken anerkannt, insbesondere für die Verkettung verschiedener Werke in einem; um die Figur Falstaff herum hat Welles unter anderem in den Realisierungspassagen von Enrique IV, Enrique V und Ricardo III mitgewirkt, indem er den Verrat an der Freundschaft als Tragödie der Unschuld, des Ehrgeizes und der Verschwörung auslegte.

Welles hob die Leistung von John Gielgud als Enrique IV und Orson Welles als Falstaff in der wahrscheinlich besten Leistung seiner Karriere hervor und weihte den Film bei den Festspielen von Cannes ein und machte die Adaption zu seinem persönlichsten Film, dem am meisten geschätzten seit seinem eigene Überlegung. Der unfreiwillige und tragische Humor des Ausweichens im Ermessen des Andersseins überlagert die Innerlichkeit von Falstaff vollständig und lässt ihn die Einsamkeit in vollem Kampf bewohnen.

Auf diese Weise können wir die Falstaff-Sequenz bewundern, die ohne einen bestimmten Kurs abläuft, aber auf den Eigensinnen basiert, die niemals die Gegenseitigkeit von Lizenzgebühren erhalten haben. Midnight Bells, vom Theater ins Kino gebracht, wurde, wie schon bei seinen Filmen über Shakespeare zuvor, zu einem visuellen Manifest außergewöhnlicher Manufaktur, bei dem die Kampfsequenzen die Zukunft der kriegerischen Bänder und die Verwendung von Helldunkel aus der Schwarz und Weiß würden den Nebel als ein grundlegendes Element des Bewusstseins definieren, das von der Handlung angesprochen wird.

Es ist unglaublich zu bestätigen, dass die Dreharbeiten für diesen Film für eine kurze Zeit de facto dauern werden, was auf das Budget zurückzuführen ist, das immer zusammen mit dem beharrlichen Perfektionismus des Regisseurs, der eine Woche gedreht hat, den Jahren der Fertigstellung der Montage und dem Abschluss der verbleibenden Szenen vor der Tagesordnung der Beteiligten anhängig. Am Ende könnten die emotionale Spannung, die fotografische Kompetenz und das gemeinsame Zeitmanagement zwischen der Menge und Falstaff selbst mitten in der Schlacht von Shrewsbury durch eine poetische Ausgabe dem Erbe des ebenfalls Siegers der einen Stempel aufdrücken Ehren Oscar Auszeichnung.

2. Durst nach dem Bösen (Touch of Evil) 1958

Das Böse zu säen und das Gute zu ernten, würde zu einer Summe von Faktoren führen, deren Ergebnis unmöglich oder von perversem Ursprung zu sein scheint, irreversibel, im Lichte der Ethik und des Guten als Zweck unverständlich, das Böse der Korruption ineinander verschachtelt, von einem System geleitet und angewandt. Durst nach dem Bösen ist ein außergewöhnlicher Film, der Ereignisse in die Stunden von Tag und Nacht setzt, dunkel und fortschrittlich, soziale Übel anprangert und vertuscht. Sed de Mal befindet sich an der Grenze zwischen Mexiko und den Vereinigten Staaten und zeigt einen Polizisten, der auf beiden Seiten des Zolls in Korruption verstrickt ist, in einem kolludierten Verhältnis von Gefälligkeiten und Geschäftsgenerationen, die vor der Macht der Einflüsse versuchen, sich zu behaupten Die Privatsphäre der trennt.

Charlton Heston als mexikanischer Agent Vargas, Janeth Leigh als seine Frau und Marlene Dietrich als Zeugin, Geliebte und Komplizin des Schweigens der Bösewichte werden in ihrem eigenen Fleisch die Torheit, die Niedergeschlagenheit, den Missbrauch, die Rätsel, die Täuschungen, die Beschuldigungen leben und Gewalt begleitet von heimlichen Gruppen.

Die Umgebung beschreibt Motels für die Freilassung, Geld auf Befehl und die Vertuschung des Verbrechens nach Belieben, alles unter der Kontrolle von Kommissar Hank Quinlan. In einer Personifikation des Bösen bietet Orson Welles eine großartige Charakterisierung und die interpretative Kraft von Einschüchterung, Zynismus und polizeilicher Zersetzung eines Systems, das noch Hoffnung in Agenten wie Vargas hatte. Ein Angriff, der durch die Explosion einer in einem Cabrio versteckten Bombe provoziert wird, ist die Kreuzung, die das Band wie eine detailgetreue fotografische Präzision führt.

Die anfängliche Sequenz ist perfekt, direkt und ohne Schnitte. Die Kamera startet fast auf Bodenniveau und gipfelt dank der Tiefenwirkung einer Aufnahme, die die Bewegungen erfasst, in einer Panoramaaufnahme unten, vorne und in der Mitte der Ebenen und Ereignisse, die aufeinander folgen und die Handlung ohne Erzähler und ohne Ton erzählen, ermöglichen es, die Atmosphäre zu genießen und den Betrachter in die Umgebung einzutauchen, in der die Charaktere als Raum leben, der durch die Umstände definiert wird. Das Imitieren von Beweisen, der Drogenhandel, Angriffe als Konstante, die Bedrohung der Wahrheitserklärung, die Fähigkeit, die ultimative Prüfung zu erreichen, und die Redewendung, die Perversion und Tugend herausfordert und mit ihr konfrontiert, werden mit der Beherrschung von eingefangen Diese Adaption der Arbeit von Whit Masterson, die Master Orson Welles durch die Noten von Henry Mancini begleitet.

1. Bürger Kane (Citizen Kane) 1941

Citizen Kane ist Orson Welles 'Inbegriff für Kinematografie und der am meisten gelobte, anerkannte, kommentierte und analysierte Film seines Kanons und zweifellos einer der berühmtesten Filme der Geschichte. Citizen Kane gilt (wie eingangs erwähnt) seit mehr als fünf Jahrzehnten als der beste Film, der jemals gedreht wurde, und gilt laut AFI (American Film Institute) auch als der beste amerikanische Film Mann, der vom Nichts zum Entstehen, vom Aufstieg zum Aufschwung und vom Aufschwung zum Abschwung ging, um zu gipfeln, welcher Zyklus im Nichts gipfelte und alles von Mysterium und Vermutung überlagert war, die in Gier, Ehrgeiz und Macht geworfen waren.

    Ein Wort genügte, um das Rätsel des Films, "Rosebud", zu lösen, und eine Handlung, um die zeitlose emotionale Ladung der Figur Charles Foster Kane zu bestimmen, die unter den Vorwürfen seiner Vergangenheit und Gegenwart nichtlinear erzählt wird den Fall eines Schneeballs passieren, wenn er aus den Händen des Protagonisten entlassen wird. Ein Flüstern, ein Murmeln der Leere der Seele, wenn sie vom Leben losgelöst ist, bestimmt den Wortslogan und präsentiert dem Publikum die unausweichliche Reise durch das Leben der Figur. Inspiriert von den Streitereien des jungen Werthers, die vom Genie Johann Wolfgang von Goethe und insbesondere von seinem Faust beschrieben wurden, litt Citizen Kane bei seiner Premiere unter dem Ansturm des von William R. Hearst vertretenen Medienimperiums, das sich angedeutet fühlte Leben eines Tycoons, der in Armut begann und in die Leichtigkeit der Macht fiel, als er die Lehre seines Reiches erreichte. Megalomanisch, obsessiv und ehrgeizig, schafft Kane es finanziell, ein Vermögen anzuhäufen und ein Medium zu positionieren, aber es fehlt das Sinnvollste, das Elementarste, und ohne es preiszugeben, bleibt ein Wort in der Luft, das sich auf einen Schlitten zu beziehen scheint, auf das, was Junge spielte, als er wirklich glücklich war.

    Das von Herman Mankiewicz mitverfasste, mit dem Oscar ausgezeichnete Drehbuch erfüllte die Branche mit Donnern. Seine Premiere bedeutete eine echte Revolution in der Fotografie, die sich aus Montage, Blickwinkeln, Hell-Dunkel, Lichteinwirkung und Musikmanagement zusammensetzte Bernard Hermann - assoziiert mit dem Film, der sich mit Citizen Kane als dem besten in der Geschichte auseinandersetzt, Vertigo -. Welles litt unter den Verweisen auf die Boulevardpresse, unter Anspielungen auf die Manipulation der Nachrichtenmacht der Machtgruppen und unter dem Ergebnis seiner zukünftigen Zukunft, einem riesigen Genie ohne völlige kreative Freiheit. Everett Sloane, Joseph Cotten und Orson Welles selbst, die an der Premiere der mythischen mexikanischen Schauspielerin Dolores del Río teilnahmen, bilden eine Besetzung, die die Passagen, Gangarten und Perspektiven eines Lebens und die menschlichen Beziehungen, die zwischen ihnen bestehen, beschreibt Dein Schicksal verleiht.

    Kane repräsentiert die Liebe, die erlangt und verloren wird, den Wert dessen, was erlangt wird, die zerbrochenen Träume, die Frustration, die ständige Unzufriedenheit zu leben, die Ausnahme der glücklichen Jahre, die Gier, den Ehrgeiz und die Distanz, die für später vergessen wird unter dem kristall einer erinnerung zurückzukehren, die durch die buchstaben konform war und war, die in einem wort die suche und die begegnung bedeuten.

    * Schriftsteller, Politikwissenschaftler und Dokumentarfilmer. Gilt als einer der führenden Vertreter der Zeugnisliteratur in spanischer Sprache. Er ist Autor der Romane El Surco, El Ítamo und des Gedichtbandes Navigate without Ruder, der sich mit der universellen Migration befasst. Er führte Regie bei den Dokumentarfilmen The Human Voice and Rest Day . Er ist Editorial Director von Filmakersmovie.com.