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DECALOGUE: 1999 10 Filme 20 Jahre nach Ende des Jahrtausends

Diese Lieferung von DECÁLOGO widmet sich der Nostalgie und insbesondere dem Gedenken an das 20-jährige Jubiläum von 'Matrix', 'Magnolia' und 'Eyes tight closed'.

1999 ist das Ende des Jahrhunderts, das Aufkommen des neuen Jahrtausends, Ängste und Ängste beherrschen die beginnenden sozialen Netzwerke und Massenmedien; Die virtuelle Realität der Emotionen bestätigt den Wandel des Jahrhunderts und seine wahrscheinlichen Folgen von Chaos und Transformation. Eine ungewisse Zukunft, die Zukunft und ihr Wahnsinn behaupten, die Welt zu trennen, indem sie sie verbindet und ihre Geschichte vom Ende an neu startet. Das Ende der Geschichte, ihre Neufassung oder der Grund eines bodenlosen Lochs kennzeichnen die letzten Monate des Jahres, Hoffnung ist keine Konstante, Angst vor einer Möglichkeit, Mathematik droht sich durch nicht zu entziffernde, vermutete Akronyme ihren eigenen Regeln zu unterwerfen in der Tat Y2K ... Nichts davon geschah, wie vorgeschrieben, am ersten Tag des Jahres 2000 um null Uhr.

Alles ging langsam und langsam, bis plötzlich, nach den Ereignissen von 2001, nichts auf der Welt mehr so ​​sein würde wie zuvor, nichts, nicht einmal die Befürchtungen würden gleich sein, das Bekannte wäre unbekannt und die Vorsichtsmaßnahme gegen das Unvorhergesehene wäre ; das Kino sah Eile, Verwirrung, Leere und Verlassenheit, den kollektiven Selbstmord der Verzweiflung. Verschiedene Filme, die 1999 gedreht, veröffentlicht oder gedreht wurden, hatten eine breite Wirkung in verschiedenen Genres. Rossetta und Himalaya im internationalen Kino , Election, South Park und Office Tangles erregten unerwartetes Lächeln, wie es die Erfolge von Unexpected Miracles, The Boys Don't Cry und Innocence erwarteten unterbrochen o Der talentierte Mr. Ripley und die Regeln des Lebens. Generationenkassetten wie American Pie oder Sex Games, innovative Wetten wie The Blair Witch Project oder konventionelle Komödien wie Nothing Hill oder eine Action wie The Mummy haben den endgültigen Durchgang von Kinos wie Theatern zu Filmkomplexen von satt gemacht reichlich Projektionswände ohne Zwischenstufe, die gleichen Kassetten wie dramatisch, gerade in der Mitte des Prozesses, der später unabhängige Bänder mit künstlerischem Schnitt in spezielle Räume mit Funktionen von nicht verfügbaren Zeitplänen oder von wenig Spektrum zum Betrachten schickte.

1999 wurden Filme von engagierten Regisseuren wie Lives to the Limit von Martin Scorsese , Der Informant von Michael Mann , Die Legende des kopflosen Reiters von Tim Burton oder Eine einfache Geschichte von David Lynch uraufgeführt wiederbelebter und etablierter Zeichentrickfilm wie Tarzan oder das Meisterwerk, das im Jahr 2000 seine volle Anerkennung finden sollte: Beau Travail .

1999, obwohl es der Titel eines ikonischen Liedes des riesigen Prinzen ist, war es auch ein Jahr voller historischer und umständlicher Ereignisse, die den Wechsel der Postmoderne in einer ironischen Phase oder voller Paradoxien ankündigten, in der wir uns verbigracia zweier Geräte näher sind von wem ist fern und weiter von wem ist nah, wo soziale Netzwerke aufeinander treffen und nicht übereinstimmen, von Anwendungen, Plattformen und Geräten, die der neue und persönliche Ort der Unterhaltung sein würden, an dem die großen Leinwände und Kinos beginnen zu sein eine Freizeitoption fast ausschließlich für große Produktionen oder Sagen.

Nach 1999 würde Harry Potter, der Herr der Ringe und Spiderman, im Kino eintreffen, um der Wiederbelebung von 3D in Avatar 1 Jahrzehnt später Platz zu machen, oder nach einem weiteren Jahrzehnt, um die Flut von fast ausschließlich Zeichentrickfilmen oder Superhelden mitzuerleben. Lassen Sie die Tür offen für jene Räume für Bänder, die seltsamerweise aus dem Unpersönlichen persönlicher geworden sind. Ich erinnere mich noch gut an das Jahr 1999, in dem ich die Erfahrungen meines Romans El Surco erlebte, und begleitete die Reflexionen mit den von DECÁLOGO vorgestellten Bändern, die der Nostalgie und insbesondere dem Gedenken an den 20. Jahrestag von Matrix, Magnolia und Eyes gewidmet waren fest verschlossen Die Reihenfolge der Bänder warnt davor, dass es 1999 so viele großartige Errungenschaften, Inhalte und Herstellungsverfahren gibt, dass nur 10 Kräfte gemeinsam genutzt werden müssen, um Anhaftungen vorzunehmen. Tolles Faktum: Die Hälfte der Titel sind rohe Opern, und von diesen beginnt der DECALOGUE mit einem Regiedebüt und endet mit einem Abschlussfilm eines anderen, der Kreativität und neuen Schwung ausdrückt, kombiniert mit dem letzten Stück Aus einem Erbe heraus trug das Kino dieses Jahres zum Kanon der universellen Kinematographie bei.

10. AMERICAN BEAUTY (amerikanische Schönheit) Dir. Sam Mendes

Das umstrittene Debüt von Sam Mendes, der mit dem Oscar für den besten Film ausgezeichnet wurde, wurde zu einem Kassenschlager und Kritiker, letzterer zumindest zu Beginn, weil im Gegensatz zu den meisten Filmen, in deren Rezension der Inhalt aufgewertet wird, Beauty Amerikaner hingegen zeigten Anzeichen einer Überbewertung durch einen Großteil der Spezialtinte; Darüber hinaus, vielleicht war es die Perspektive einer Ära herausfordernder, komplexer und dekonstruktiver Bänder, erschien Mendes 'Vorschlag sogar als konventionelles Augenzwinkern oder in einem moralischen Trostraum, als ob er an den Wünschen festhalten würde, die bestraft werden. Die Wahrheit ist, dass der Film ein kühnes Drehbuch und solide Performances hat, in denen der unglückliche Kevin Spacey eine subtile Interpretation erreicht, und Annete Bening mit dem offensichtlichen Unbehagen von Langeweile, Lethargie und Unzufriedenheit von dem, was in die ideale Monotonie gefallen zu sein scheint, auffällt Wo nichts ideal ist.

Alan Balls Drehbuch, begleitet von den Interpretationen von Wes Bentley, Mena Suvari und dem erfahrenen Chris Cooper, beschreibt die Wechselfälle der gewöhnlichen, aber dysfunktionalen Burham-Familie, erforscht die Nachbarschaft der Vororte als Schauplatz von Komplizenschaft, unterdrückten Wünschen und Annäherung an das Verbotene, die Selbstzensur des Erscheinens und die Simulation als Konstante der menschlichen Beziehungen der angestrebten Mittelschicht, auf die es sich bezieht. Der Titel verleiht eine Suche, die die Bedeutung von Schönheit in dem Verborgenen gefunden zu haben scheint, in dem die Farben Einstellungen, Wünsche und Phantasien widerspiegeln, während die Realität grausam ist als das, was unterdrückt, und die von Thomas Newman komponierte Musik gut widerspiegelt . Ich erinnere mich, als ich den Film zu Beginn des Semesters und mit dem Adrenalin der Jahrhundertwende im Herbst 1999 besuchte, war er scheu, die schockierendste Szene neben dem visuell suggestiven und Die klassische Abfolge der Badewanne und der roten Blütenblätter, mit denen sie verbunden ist, war die, in der Lester in Arbeitskleidung Carolyn an der Rezeption des Fastfood-Restaurants empfängt und das Spiel entsprechend enthüllt.

9. Der Riese des Eisens (The Iron Giant) Dir. Brad Bird

Wenn das Abenteuer alle Dimensionen der Vorstellungskraft einnimmt, dann sollte die Vorstellungskraft ein Abenteuer sein. So konnte ich den einfachen und komplexen Film The Iron Giant definieren, eine Hauptoper von Regisseur Brad Bird, der sich einen Schreibtisch mit Animationslegenden wie Tim Burton und John Lasseter teilte und mit Matt Groening Dutzenden von Kapiteln von Los Nuancen verlieh Simpson zu verschiedenen Jahreszeiten. Durch die Rückkehr der Animation in die Hauptrolle des Kinos mit dem eleganten Experiment von Who cheating Roger Rabbit (1988) und The Little Mermaid (1989) gekennzeichnet, entstanden in den 90er Jahren Franchise-Unternehmen, thematische Innovationen und die Gründung verschiedener klassische Geschichten, die in der tiefsten Unterhaltung aller Zeiten wurzeln, Zeichentrickfilme wie in den Jahrzehnten der 40er und 50er Jahre mit einzigartigem Erfolg. Disney leitete die Bemühungen auf der Grundlage der Führung seiner Tradition, gepaart mit der Allianz, die das kalifornische Unternehmen schließen würde, indem es Pixar fusionierte, ein Unternehmen, das George Lucas in den 80er Jahren gründete, und 1995 den zuvor erwähnten John Lasseter mit Toy Story katapultierte. Später kamen weitere Studien hinzu.

Bird und sein Eisengigant, der auf dem Buch des britischen Dichters Ted Hughes aus dem Jahr 1968 basiert, tauchen am Ende des Jahrtausends auf, als die visuellen Effekte wie heute darum kämpften, die Hallen mit immer gewagteren Effekten zu bestaunen, eine Situation, die für einen traditionellen Trickfilmzeichner sehr hoch war.

Der Eisengigant kam 1999 in die Kinos, und als er dort ankam, verabschiedete er sich von den Hallen, ohne viel Lärm und ohne viel Erwartung, als finanzielles Fiasko und eine Wette, die seine Investition kaum wieder gutmachen konnte. Kritiker und Kinogänger, die sich die Gelegenheit gaben, es im Laufe der Zeit zu genießen, haben die wunderbare Erfahrung, die der Film auf emotionaler und menschlicher Ebene bedeutet, bewertet. Eine Animation zwischen traditioneller Technik und Innovation, eine Geschichte, die außerhalb des Planeten beginnt und in einer kleinen Stadt stattfindet. eine Lektion der Reife und Sensibilität von Hogard, die Sensibilität der Kindheit, die Begierde, die Umwelt zu genießen und zu bewundern, und das endet jeden Tag, wenn wir wirklich die Träume verlassen, die uns den Geist nährten, als wir klein waren.

Eine Geschichte aus den 50er Jahren, als Science-Fiction-Filme in vollem Gange waren, außerirdische Invasionen und die nukleare Spannung des Kalten Krieges Gespräche, Vorstellungskraft und Vermutungen bevölkerten, etwas, das nicht weit von 1968 entfernt war, als es geschrieben wurde noch von 1999, als das Ende einer Ära Angst, Unsicherheit und gleichzeitig die erneute Hoffnung erzeugte. Hogarth Hughes ist der Protagonist, der in seinem Verhalten, in seiner Freude, in seiner einsamen und neugierigen Kindheit, in den Wünschen und Träumen, die ein Kind in den Momenten, in denen die Phantasie es auffordert, bewahrt und zum Ausdruck bringt, eingebettet ist Das Abenteuer, immer bereit, immer bereit zu wissen, zu entdecken, zu erforschen, und in diesen Ängsten konvergiert der Besuch des Eisenriesen aus dem Weltraum, die Sichtung, die Begegnung und die anschließende Interaktion eine Kritik der Moderne aus der Postmoderne Ein Blick auf die letzten 50 Jahre, die Nachricht vom Beginn eines neuen Jahrtausends und der Zukunft, die wie nie zuvor nach Gründen fragt und die Gefühle ignoriert, auch wenn sie sie fühlen.

Der Riese ist in der Lage zu fühlen, zuzuhören, bewusst zu sein, und alles aus seiner Freundschaft mit einem Kind ist in der Lage, Frieden als Botschaft, Frieden als Möglichkeit, als Chance und auf der Suche nach dem, was Sie sein wollen, anzunehmen Zementfreundschaft als einzigartiger Wert; die bösewichte sind keine roboter oder raumwesen, sie leben unter uns, besessenheit, vorurteil, angst vor dem, was wir nicht verstehen, die dichotomie der wissenschaft, die dualität der erfindungen; Das Band warnt, dass die Helden diejenigen sind, die es wagen, zu sein, wer sie wollen. Abseits des Stolzes umfasst die Botschaft die Suche nach Träumen von der Suche nach dem Guten, und diese Geste entfernt sie vom Selbst zum „Ich“ des Superhelden, treffe dich im "wir". Brad Bird hätte monumentale Kritiker und Kassenerfolge, The Incredibles (2004) und Ratatouille (2007), Kassetten, die ihm zwei Oscar-Preise für den besten Animationsfilm einbrachten, und dann Film Mission Impossible: Phantom Protocol, sein erstes und einziges Fertigstellungsdatum Nicht animiert, für viele die beste Lieferung der Saga. Imagination beherrscht das Abenteuer der wahren Protagonisten, der Mädchen und Jungen, die es uns ermöglichen, die Grenzen des Wunders, das Abenteuer des Seins, wer du sein möchtest, weiter zu bewohnen.

8. MÖCHTEN SIE JOHN MALKOVICH SEIN? (Als John Malkovich) Dir. Spike Jonze

Innovativ, dynamisch, komplex, frisch, mutig - möchten Sie John Malkovich sein? Es brach wie ein Knaller aus dem Jahr 1999, als Spike Jonzes Debütoper die Zuschauer verblüffte, die nicht erwartet hatten, einen Film zu sehen, dessen zentraler Charakter der Verstand des Protagonisten war, ohne es zu sein, in dem die Schauspieler dem Protagonisten Leben schenkten. Ein Puppenspieler schafft es neben der gelegentlichen Neugier, den Weg zum Flur zu finden, der überraschenderweise zum Geist des Schauspielers und Charakters führt: John Malkovich. Wenn der Schauspieler zur Zeit als einer der vielfältigsten Schauspieler in Hollywood anerkannt ist, war er es bereits 1999 und schloss 2 Jahrzehnte verschiedener Filme ab, die The Fields of Death und Dangerous Relationships, The Protective Sky oder In the Line of Feuer, aber ein Band über das Entdecken, Enträtseln und Erforschen der Gedanken eines Schauspielers zu machen, konnte nur von einem anderen großen Geist ausgehen, Charlie Kaufman.

Kaufmans Drehbuch erschütterte die Branche mit großem Interesse, und der Film wurde von Kritikern gut aufgenommen, die das fiktive Spiel hervorhoben, in den Verstand einer Berühmtheit einzudringen, eine Art mentalen Voyeurismus, und es von einem John Cusack präsentierten Ein prächtiger, inkarnierter schüchterner Mann, der unter diesen Umständen sein Gegenteil widerspiegelt, wie auch seine Frau, die sich im Strudel einer Angst befindet, die introvertiert, öffnet den Weg einer alternativen Realität. Den Geist eines anderen bewohnen, die verschiedenen Persönlichkeiten, die in uns stecken, durch die Innerlichkeit des anderen enthemmen, ein Urteil über das Anderssein und den Spiegel, mit dem der Regisseur meisterhaft umgeht.

Spike Jonze stieg sofort in die Reihen der aufstrebenden Regisseure des neuen Jahrtausends ein, es war ein glückverheißendes Jahr, das man vom Verstand eines Schauspielers aus mit den Augen anderer und anderer Schauspieler als Synergie erleben konnte von kontinuierlicher Interpretation, die in den Performances von Cameron Díaz und Catherine Keener herausstach, die durch einen Tunnel gehen, der das selbe überrascht, das aus den entlegensten Räumen des Geistes zeigt, dass wir John Malkovich ähnlicher sind, als wir denken.

7. ALLES ÜBER MEINE MUTTER Dir. Pedro Almodóvar

Das Jahrzehnt der 80er Jahre bedeutete für Pedro Almodóvar eine Etappe außerordentlichen Erfolgs, insbesondere aufgrund des enormen Erfolges, den er mit Mujeres am Rande eines Nervenzusammenbruchs erzielte, der jedoch Ende der 90er Jahre eintrat Die Kritiker würden sich definitiv ihrem Talent hingeben, ohne ihre erzählerischen Verdienste zu kennen. “ Alles an meiner Mutter füllte das lateinamerikanische Kino stark aus.

Die Komplexität seines Themas, die konvexen Winkel der Offenbarungen, die durch seine Dialoge und kraftvollen, einfühlsamen und beschwörenden Handlungen präsentiert werden, machten seine Handlung zu einer gewagten, gefühlten und tiefgreifenden Methode, um dem Verlust, der Entscheidung und der Transformation des Seins vor dem Leben entgegenzutreten, Zufall und Umstand. Der Verlust eines Sohnes für den Protagonisten und die Begegnung mit sich selbst für einen anderen Charakter lassen die Gegenwart beschützen, fordern, betteln die Vergangenheit, eine Mutter sucht den Vater eines verlorenen Sohnes, einen Vater, der es allerdings nicht mehr gibt am Leben, weil er sich in jemand anderem verändert hat, hat er es geschafft, sie zu sein, und in dieser Fülle, der Identität und der Suche nach einem eigenen Ort seit dem Verlust, geben Sie dem Band des Manchego-Direktors einen Blick auf das, was von uns in den Verlusten übrig bleibt, in den Transplantationen, die den Tod geben, geben Leben und Mutterschaft als zentrales Konzept des Bandes.

Cecilia Roth, Marisa Paredes und Penelope Cruz bieten Performances voller Kraft, Energie und Charakter in einem Film, in dem ihre Regisseurin verschiedene Themen wie Homosexualität, Transsexualität, Glaube, Existentialismus, die Rolle der Frau, Mutterschaft, verstanden von a Macho-Konzept, die Befreiung von Frauen und Männern entsprechend, Tod und Erlösung von der Kunst. Die Schauspielerei als solche wird von einer Schauspielerin angesprochen, die leidet, müde und überwältigt ist, die die Rollen, die sie aus Einsamkeit spielt, liefert, anbietet und ausführt.

6. Der sechste Sinn (The Sixth Sense) Dir. M. Night Shyamalan

Die 90er Jahre waren geprägt von Filmen, deren überraschendes Ende den Wechsel von Nuss oder Erzählung zu einer literarischen Wendung machte, die dem Publikum lustige und höchst emotionale Erlebnisse bescherte: Die sieben Todsünden, Der Kampfverein, Die Wurzel der Angst, Gemeinsame Verdächtige, Träume der Flucht, sind einige der Filme, deren letzter Akt ein Sturm unerwarteter Emotionen und erzwungener Debatten war. Der sechste Sinn würde sich dieser Liste anschließen, dies aber aus der Spannung heraus tun, die nicht terrorisierte; aus dem Drama, dass keine Tragödie; Aus der Erwartung, nicht aus der Entschlossenheit.

Die Figuren sind in eine Dynamik verwickelt, die den Tod als Gegenwart, das Zeugnis als Sendung und die Telekinese als interdimensionale Möglichkeit des eigenen Lebens erforscht. Ein Kind, Haley Joel Osment, konfrontiert seinen Arzt damit, dass es sich in der Psychologie lohnen wird, das Parasyskologische und das Spirituelle in der gleichen Suche zu finden, indem er gesteht, dass er in der Lage ist, Tote zu sehen und noch mehr, sie in irgendeiner Weise zu kontaktieren. Bruce Willis, der Arzt mit einer stürmischen Vergangenheit gegenüber seinen Patienten in der Tragödie, hört zu und kümmert sich um den vermeintlichen Patienten, während er schweigend das verzweifelte Verhalten der Mutter Toni Collette beobachtet, um eine Erklärung für das zu finden, was passiert. Eine Erlösungsgeschichte oder ein Manifest für das Leben, von den Sinnen oder von diesem sechsten Sinn, der sich jenseits dessen anfühlt, was die Lebenden fühlen können, positioniert M. Night Shyamalans Opernprima als einen der besten Filme von Englisch: www.goethe.de/ges/mol/thm/tde/en2999366.htm Spannung der Geschichte, die, obwohl sie aufgrund ihrer Beliebtheit in das Klischee und das öffentliche Grinsen geraten ist, eine erste filmische Kontakterfahrung bleibt, die sich danach sehnt, die zweite sofort zu sehen, wie es möglich war, die Handlung so zusammenzusetzen, dass die Das Publikum bemerkt das Ende erst, wenn es sich manifestiert.

Die Integration einer suggestiven Erzählung, die nicht enthüllt, die verbirgt, sondern zeigt, die Reaktionen des Betrachters als erwartetes Axiom aufwirbelt, aber auf Erklärungen für eine nachteilige Reaktion wartet, die Komplexität der Zusammenstellung der Handlung als Reaktionen, ohne Gewissheit preiszugeben, ergibt den sechsten Sinn Eine Fülle von Antworten aus demselben Mysterium, eine Formel, die der Regisseur mit ungleichem Erfolg in verschiedenen Filmen zu wiederholen versuchte, und die auch in einigen anderen Erkenntnissen nachgeahmt wurde. Die kreative Form von Shyamalan motivierte zweifellos das Design einer Form mit subtiler Herstellung, wie man die Realisierung eines Films mit überraschendem Ende erreicht, der einen zweiten Blick hervorruft und der beim dritten die Wirkung des ersten Blicks in fast seinem Ausmaß zu verlieren scheint totalität, das heißt, es ist ein überraschendes band, das beim ersten kontakt auf den ersten blick die vorherige erhöhung aller sinne vor dem sechsten weckt.

5. THE Fight Cub CLUB Dir. David Fincher

Basierend auf dem postmodernen Roman, Symbol der X-Generation und geschrieben von Chuck Palahniuk, ist The Fight Club einer der schillerndsten und klarsten Filme seiner Art aus dem letzten Jahr der 90er Jahre Warm von Kritik und Kassenschlägen am Anfang, nach und nach gewannen es Respekt, Anerkennung und eine große Anzahl von Anhängern, die es als einen Film jenseits des Kultes, der Generationen und der Endgültigkeit des Jahrhunderts positionierten.

Unter der Regie von David Fincher untersucht der Fight Club verschiedene Themen, die auf der Suche nach einem eigenen Ort, einem existenziellen Grund und der Identität im Zusammenhang mit Gewalt, Erleichterung, Schizophrenie oder Alltagsstress beruhen. Die narrative Dimension entwickelt die Doppelpersönlichkeit oder Mehrfachpersönlichkeit, die in dem verankert ist, was wir sind, was wir nicht sein wollen und was wir uns danach sehnen, in der Mitte zu bleiben, mit einem Erzähler, der der Realität erliegt, während er sich von ihr wegbewegt, um sich darauf zu konzentrieren Der Geist, der ihn ausspricht. Der Kampfverein ist eine ständige Suche, ein verzweifelter Ruf, das Gefühl der Zugehörigkeit zu nichts. Die erste Regel eines Mayhem-Projekts ist, nicht über das Mayhem-Projekt zu sprechen, und in dieser Zeile, die sich auf die Geheimhaltung einer Sehnsucht bezieht, unterstützt das Skript den Konflikt, etwas oder jemanden zu verbinden, sogar uns selbst.

Tyler Durden wurde zu einer Referenz, einem Emblem, das zunächst ein Gesicht hat und im Verlauf des Films ein anderes enthüllt, um zu erkennen, dass es weder das eine noch das andere ist, sondern alles. Auf diese Weise ist der Club ein Treffpunkt für die Verlorenen, Unglücklichen oder Wesen auf der Suche, und der Kampf ist nichts weiter als ein Zeichen für die Haltung und Gewalt, die Möglichkeit, einen Ort zu finden, an dem es keine Wahrscheinlichkeit gibt treffen Edward Norton, Brad Pitt, Jared Leto und Helena Bonham Carter integrieren eine Folgerung, die in den grünen und braunen, schwarzen und grauen Farben eines verlassenen Gebäudes aus ockerfarbener Feuchtigkeit nistet, in dem er sich verschwört, gesteht und definiert, ohne mehr Worte als Fäuste und die Energie vor der Gesellschaft, die von ihnen ausgeht.

4. NICHT EIN WENIGER (Niemand weniger) Dir. Zhang Yimou

Zhang Yimou, ein Meister der universellen Kinematografie, präsentiert in " Keiner von beiden" einen intimen, einfühlsamen und realistischen Film, der über die Kunst hinausgeht, um von der Menschheit seiner Geschichte universell zu werden. In einem ländlichen Umfeld der Marginalisierung und Resilienz präsentiert nicht weniger eine Geschichte, die die Entwicklung des avantgardistischen und technologischen Chinas mit dem ländlichen China für den landwirtschaftlichen Konsum und den Schulen, die unter Subsistenz leiden, kontrastiert. Eine Schule ohne Lehrer, eine Lehrerin, die im Familiendrama fehlt, eine Ersatzlehrerin, die nicht mehr als die Jahre des jugendlichen Zugangs hat, um nicht nur die Verantwortung für den Unterricht zu übernehmen, sondern auch die der Eltern, die angewendet werden müssen, um dies zu verhindern dass kein Kind das Klassenzimmer verlässt, weil es sonst seine Zahlung nicht einziehen könnte, aber die Geschichte das Gehalt für Empathie übersteigt. Das Streben nach dem, was die Schule bedeutet, geht über das hinaus, was Bildung selbst bedeutet. In dem Moment, in dem eines der Kinder durch Umstände und Zusammenhänge desertiert ist und sie annimmt, für ihn in die Stadt zu gehen, werden die Risiken und die Wechselfälle der Reise keine Rolle spielen.

Es ist die Verantwortung, die Verpflichtung, es zurückzugeben, und in dieser Hartnäckigkeit setzt Yimou seine narrativen und visuellen Ressourcen ein, um einen Film mit vollem Neorealismus zu machen. Als Dokumentarfilm, in einer Mischung aus Fiktion und Realität, präsentiert der berühmte Regisseur alternative Realitäten, parallel zur Dualität der wirtschaftlichen Entwicklung, die ihn einbezieht, einen ansonsten emotionalen Film, der von den Filmfestspielen von Cannes unglaublich verboten wurde, und das klar den Goldenen Löwen der Filmfestspiele von Venedig gewinnen. Die narrative Dichotomie von Yimou ist ein Überbleibsel, das das Band als einen der Referenten des neuen Realismus des asiatischen Kinos katapultiert und als einen der liebenswertesten Filme des Jahrzehnts.

3. MAGNOLIA (Magnolia) Dir. Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson verdichtet den Untergang der Postmoderne und die Suche nach Identitäten in einem Stück Schmerz, Bedauern, Leere und Verzweiflung. Jede der mit dem Zufall oder dem Unglück verbundenen Figuren trägt in ihren Zeilen und insbesondere in ihren Ausdrücken die Summe aller Ängste und Ängste, die einem Mangel an Liebe, Anhaftung und Motiven entsprechen. Die Suche nach einem Zustand des Glücks, der nicht zu existieren scheint, Resignation, klares Träumen oder Masken, die die geheimen Absichten verdecken, kennzeichnen die Noten eines geteilten Liedes, eines freundlichen Lachens, einer gebrochenen Bitte, eines gescheiterten Versuchs und von guten Taten ohne Zweck oder Bedeutung . American Beauty wurde als Oscar-prämierter Film für den besten Film ausgezeichnet, aber ein Film, der im Dezember 1999 veröffentlicht wurde, wird nicht in der Geschichte als permanente Warnung einer Gesellschaft in Erinnerung bleiben, die weiterhin zur falschen Zeit nach seinem Platz sucht: Magnolie Magnolia ist eine schöne Seite in der Geschichte des zeitgenössischen Kinos, schön, obwohl es schmerzt, schön, obwohl beängstigend, schön, obwohl es an sich bedauerlich oder unattraktiv erscheint.

Die Fülle an großartigen Darbietungen hinterlässt Spuren, als wäre das Papier die Leinwand, auf die die Gezeiten, das Zittern und der Regenbogen am Ende des Sturms passen. Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman und Jason Robards - in seiner letzten Rolle - begleiten unter anderem die kraftvolle, zynische, einfühlsame und vielleicht beste Leistung in Cruises Karriere Magnolia zu einem der besten Filme des Jahrzehnts machen, eine individuelle und kollektive Reflexion über das Paradoxon, Gefühle, Eigensinne, die Bestätigung eines großen Regisseurs und das Aufkommen eines Regens, der mit den leerer werdenden postmodernen Aromen getränkt ist. Tom Cruise gewann seinen dritten Golden Globe und seine dritte Oscar-Nominierung als bester Nebendarsteller für die Rolle von Frank TJ Mackey, einer Figur, die zum Kult für diejenigen geworden ist, die das Kino analysieren, studieren und erkennen Thomas Anderson

Magnolia schwebt in realistischen, rohen und beunruhigenden Momenten, so wie es surreale Intervalle in Existentialismus, Unbehagen und Ungewissheit birgt. Kausalität und Zufall überwältigen und befreien, bestrafen und erlösen die kleinen Dinge des Lebens wie ein schmerzhaftes Kaleidoskop aus Atem und Atem. Das offizielle Lied des Films, "Salvame", porträtiert in seiner Lyrik mit großer Präzision jene nebulöse Bruderschaft aus Zufall und Kontext, den dringenden Ruf der Charaktere, sich selbst zu retten und in Not keine Rettung in sich zu finden, von Dort bildet die Verkettung von Geschichten einen Kreis von transversalen Zusammenschlüssen, die konzentrische Punkte für Schmerz und verstreute Punkte für Verlassenheit finden. Der Film ist ein narratives Beispiel für die Postmoderne, in der er lebt, und für das neue Jahrtausend, in dem die emotionalen Bindungen durch virtuelle Bindungen in Frage gestellt werden.

2. MATRIX (Matrix) Dir. Wachowski Brothers

Eine Realität zu bewohnen, die uns gegeben ist und die wir für selbstverständlich halten, ist Teil des Überlebens des Lebens, aber ein Dogma herauszufordern, daran zu zweifeln, seinen Ursprung herauszufinden und die Möglichkeit einer alternativen Realität zu entdecken, die uns umgibt, lädt den Betrachter zum Einfügen ein in dieser Raumzeit, die Energie, statische und dynamische Bewegung manipulieren kann. Der Sommer 1999 freute sich auf die Rückkehr von Star Wars in Episode I, um den Beginn von Darth Vader über Anakin Skywalker, Bösewicht und Held schlechthin der Blockbuster, Starcharakter des zeitgenössischen Kinos und dieses Jahr zu enthüllen feiert 4 Jahrzehnte der Definition der Darstellung der Mythologie und ihrer klassischen Mythen im Kino, ein wichtiger Prozess, der der Erzählung Bedeutung verleiht. Der Sommer dieses Jahres war jedoch auch Zeuge des schrecklichen Scheiterns von Wild, Wild West mit Will Smith und der kontroversen Sommerpremiere, dem kontroversen Abschlussfilm von Stanley Kubrick, Eyes tight closed, mit Nicole Kidman und Tom Cruise .

Während Episode I die mit Eifersucht und Nostalgie getränkte Abendkasse überflutete und die Augen gut geschlossen das Publikum aus dem Psychothriller herausforderte, gab Matrix von den Wachowski-Brüdern dem Sommer das Erstaunen über die visuellen Effekte und die Unterhaltung des Sommers und vererbte ein Permanenter Sommer, der zu einer visuellen Ikone des ausgehenden Jahrhunderts geworden ist. Neo, gespielt von Keanu Reeves, ist die Reflexion der Postmoderne, in der die Möglichkeiten der Struktur und Funktionalität der Systeme neuen Überzeugungen unterliegen. Matrix verfolgt und enthüllt Religionen, politische Systeme und die durch Resignation oder Sitte hervorgerufenen Zuneigungen, um die "Auserwählten" zu einer emanzipatorischen Alternative der Realität zu machen. Neo versucht, sein eigenes tägliches Leben zu befreien und in die Fähigkeit zu verwandeln, die seine Umgebung kontrolliert, und die Größe zu ändern, wobei die Botschaft selbst für die Wachowski-Brüder eine Herausforderung darstellt.

Die in Matrix verwendeten Effekte, obwohl sie spätere Choreografien inspirierten und die Technologie im Dienste des Kinos unauslöschlich prägten, wirkten sich ebenso resonant aus wie die Protagonisten. Es ist kein Zufall, dass er in der John Wick-Saga Fishburne Reeves auf der Bühne begleitete und die Choreografien erneut dem Wind trotzen. Es ist lustig, Wick ist ein Absteiger aus der Realität und scheint auserwählt zu sein, Neo ist auserwählt und trotzt der Realität. Die Zukunft würde zeigen, dass die Regisseure in ihrer eigenen Erfahrung das Leben zu einer Herausforderung für das machen würden, was durch die Hinwendung zum Begehren in einer klaren Botschaft der existentialistischen Emanzipation gegeben wurde. Gegen Ende dieses Jahres und zu Beginn des neuen Jahrtausends, als das Jahrhundert zu Ende ging, haben mehrere Filme das familiäre, religiöse und spirituelle " Establishment " in Mitleidenschaft gezogen. Amerikanische Schönheit, Der sechste Sinn von M. Shyamalan oder Magnolia von Paul Thomas Anderson, wird zwinkernde Korallen mit auffälligen Störungen hervorrufen, die gleichen gefangenen Empfindungen, die im Sommer 1999 in Matrix aufgetaucht sind.

1. AUGEN GUT GESCHLOSSEN (Augen weit geschlossen) Dir. Stanley Kubrick

Künstlerisches Epitaph in der Arbeit eines Provokateurs der Begierden, eine verstörende Erforschung der erwachten Libido, die der Regisseur seit der großartigen Lolita (1962), einer großartigen literarischen Adaption von Nabokov, nicht mehr erforscht hatte. Die eheliche Beziehung, die Liebe in Sitte verwandelt, der Geschmack in delegierter Sehnsucht, der Wille der Monogamie in der Phantasie, der unterdrückt und dann in den Spielen des Geistes zum Ausdruck gebracht wird, weichen einem Film, der die meisten Dellen hinter sich lässt Kubricks überzeugte Kritiker und eröffnete wiederum eine künstlerische Debatte in seinen Anhängern. Gerade am Ende des Jahrhunderts und am Vorabend des neuen Jahrtausends wird Eyes well closed als eine doppelt moralische Sicht der Aristokratie angesichts von Untreue, Ethik und mit größerer Kühnheit als eine Überprüfung von Tabuthemen der postmodernen Gesellschaft präsentiert. Menschenhandel und Prostitution als Problem der Stadt, zur Vertuschung von Missbrauch durch die Polizei und aus dieser sozialen Befragung in die bläulichen Alpträume einer Ehe, die die Krise der Versuchung und des Vertrauens erlebt, ähnlich wie die Notwendigkeit der Beichte .

Tom Cruise und Nicole Kidman nehmen ihre reale Beziehung zu der Fiktion auf, die aus dem Traumnovelle- Roman stammt, der 1926 von Arthur Schnitzler über die Figuren William und Alice Harford geschrieben wurde. Und als Folge einer Realität, die mit Phantasie verwechselt ist, ließen sich das Paar nach mehr als zwei Jahren Dreharbeiten und anderen kontextbezogenen Umständen scheiden und Kubrick lieferte seinen neuesten Film, in dem auch die Regisseure Todd Field und Sidney Pollack mitwirkten posthum Eine Nacht durch die Stadt und ihre Außenbezirke, eine Reise durch die Straßen und ihre Schatten, durch die Stadt und ihre Kostüme, steht der zweifelhaften Dualität einer böswilligen Enthüllung gegenüber, die Alice William macht und die Passagen einer visuellen Orgie erzeugt, die von William motiviert wird die Identität hinter der Maske und die konkupiszente Sexualität des Verlangens, wenn es ausgedrückt wird. Der Titel scheint den Betrachter vor der Ironie zu warnen, die Augen werden offener für die Annahme der "Hätten", die aus dem Verbotenen hervorgehen. Ein satirisches Weihnachtsband, das im Sommer 1999 auf den Markt kam und über die Jahre hinweg aufgewertet und als Kult angesehen wurde. Kubrick starb vor der Premiere, vielleicht hätte die Erleichterung des Skandals mehrere Jahre gedauert, bis die Kritiker Cruises Schauder wie Dr. Harford über die mysteriösen Passwörter der Nacht und ihre Rituale teilten.

20 Jahre später die Erkundung von Dr. Hardfords Innerlichkeit, Alice verzweifelte Stille nach Wiedergeburt des Verlangens aus dem in den Albtraum des Schlafes gegossenen Verlangen oder die Bruderschaft von Masken, die Identitäten verbergen, um andere im Tanz von was zu erwerben Verboten und im Lichte des Okkulten entwirren sie weiterhin alle Arten von Interpretationen und Meinungen, die das Band als eines der komplexesten, psychologisch gesehen, des berühmten Regisseurs angesehen haben. Es wird sein, dass sich die Postmoderne entfernt, um einer Phase dringender Ereignisse auf persönlicher und sozialer Ebene Rechnung zu tragen, in der das Vermittelte mit dem Flüchtigen des Dringenden verbunden ist.

Die Wahrheit ist, dass Kubricks letzter Film der Zeit widerstanden hat und mehr Kraft gewonnen hat als in den Kontroversen vor zwei Jahrzehnten. Er ist nicht nur die letzte Spur oder das letzte filmische Testament seines Regisseurs, sondern ein Film, der es zu untersuchen wagte Die Qualen der Selbstzensur, der verdrängten Wünsche oder der Langeweile der Liebe, die andere Grenzen sucht, um sich aus den Nischen des Geistes und seinen Qualen zu erneuern, strömten in die Doppelmoral der geheimen Absichten des Endes eines Jahrtausends, in dem gesichtet wurde andere. 1999, zwei Jahrzehnte nach Beginn und Ende eines Jahrhunderts und für uns heute, zu Beginn eines neuen Jahrzehnts.

Titelbild: Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick (1999)

* Schriftsteller und Dokumentarfilmer. Gilt als einer der führenden Vertreter der hispanisch-amerikanischen Testimonialliteratur. Er ist Autor der Romane El Surco, El Ítamo und der Gedichte Navigate Without Oars und Cardinal Points, die sich mit universeller Migration befassen und an verschiedenen Universitäten weltweit studiert wurden . Er führte Regie bei den Dokumentarfilmen The Human Voice and Rest Day . Er ist Editorial Director von Filmakersmovie.com.